Category: искусство

Category was added automatically. Read all entries about "искусство".

Дата. Ян Вермеер (Дельфтский)

Ян Вермеер родился 31 октября 1632. Нидерландский художник.
Из биографии художника известно очень мало. Установлено, что 29 декабря 1653 Ян Вермеер был принят в гильдию Святого Луки, а по условиям гильдии членство в ней предваряли шесть лет серьёзного обучения живописи у мастера, состоявшего в гильдии.

Картины Вермеера предельно ясны для понимания, но, с другой стороны, эта простота композиции требовала не только умения смотреть, но и видеть. Он пытался вложить в свои произведения тайный смысл, используя понятный его современникам язык символов.

Полотна «Дама перед клавесином» и «Дама за клавесином» - демонстрируют стиль позднего Вермера. Художник изобразил на них либо одну и ту же женщину, либо очень похожих сестёр. На первой - богато одетая женщина сидит за клавесином, как бы отвернувшись от него. Но дама явно отвернулась не столько от клавесина, сколько от висящей на стене картины. Художник даёт нам рассмотреть, что это известное полотно Дирка ван Бабюрена «Сводницы». Оно противоречит внутренней чистоте интерьера перед клавесином - этот инструмент в истории искусств часто связывается с именем девы-мученицы и покровительницы музыки Святой Цецилии. Комната погружена в полумрак, в её колорите преобладают переливы синих цветов. На втором полотне мы видим комнату, заполненную солнечным светом. Зачаровывают варьирующиеся цвета - белый, бежевый, золотой, глубокий синий. Гармония, царящая в этом доме, символизируется на картине клавесином. Оба эти произведения Вермера вызывают ощущение покоя. Мастерское владение светом и тщательное изображение мельчайших деталей придают работам художника неповторимое очарование.

Два десятилетия, на протяжении которых он создавал все свои произведения, были годами высшего расцвета голландской живописи, но именно Вермеру было суждено возвысить бытовой сюжет до уровня, сопоставимого с замечательными достижениями великих голландских мастеров в других жанрах.

По материалам сайтов:

https://24smi.org/celebrity/7383-ian-vermeer.html

http://bibliotekar.ru/muzeumLondon/32.htm

http://allpainters.ru/vermeer-jan.html

https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%92%D0%B5%D1%80%D0%BC%D0%B5%D0%B5%D1%80,_%D0%AF%D0%BD

Дата. Альфред Сислей

 Альфред Сислей родился 30 октября 1839. Французский художник.

Родители прочили сыну коммерческую карьеру; юноша отправился учиться в Лондон. Сислей предпочёл заниматься живописью, и в 1862 вернулся в Париж. В студии Шарля Глейра он познакомился со многими художниками, ставшими впоследствии знаменитыми. Вместе с единомышленниками Альфред Сислей основывает сообщество импрессионистов.
 Уже в мастерской Шарля Глейра Сислей сотрудничает с Клодом Мане, Огюстом Ренуаром. Именно совместно с ними Альфред пишет свои дебютные работы. Влияние Камиля Коро отчетливо прослеживается в ранних работах Сислея. Особенно явно это проявляется в тонком лиризме и чётком композиционном построении картин.

 Впоследствии Сислей перейдёт к более светлым тонам. Художника особенно привлекает игра света, изменение состояния атмосферы, поэтому он чаще всего обращается к одному и тому же пейзажу, изображая его в разное время.

 Особая чувствительность отличает его от художников-импрессионистов. Сислей прежде всего поэт в душе. Его картины, часто нечеткие, неясные, отражают романтически-задумчивый взгляд на мир. Излюбленные герои Сислея – небо и вода, вид которых меняется ежесекундно.

 Альфред Сислей не обладал ни энергией и дерзостью Моне, ни спокойной уверенностью Писсарро. Скромный и сдержанный, он не прокладывал новых путей, а, скорее, следовал за своими друзьями. В искусстве Альфреда Сислея нельзя обнаружить ослепительных открытий Моне или Ренуара, но оно бесконечно привлекательно и в лучшие годы развития художника очень цельно. Задушевность и тонкий лиризм работ Сислея связывают его больше, чем других мастеров импрессионизма, с Коро - его любимым живописцем. Присущее художнику гармоничное восприятие природы и его тонкий колористический дар с особой полнотой раскрылись в пейзажах Иль де Франса. Чаще всего Альфреда Сислея привлекали неброские мотивы - поля, берега рек и каналов, небольшие городки; он умел с большой проникновенностью передать их своеобразие и поэтическую прелесть.

 По иронии судьбы, сразу же после кончины Сислея, которому лишь изредка удавалось продавать свои работы за несколько сот франков, его картины стали цениться необычайно высоко.

По материалам сайтов:

http://www.hudojnik-impressionist.ru/sisley.htm

http://rushist.com/index.php/world-art/1871-alfred-sislej


Дата. Роберт Фальк

Роберт Рафаилович Фальк родился 27 октября 1886. Русский живописец.

Окончив Петропавловское реальное училище в Москве, в 1904-1905 Фальк занимался у К. Юона и И.Дудина, в частной студии И. Машкова, а в 1905-1912 - в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Архипова, Васнецова, Пастернака (отца поэта), Серова, Коровина; принимал участие в самых разных выставках не только в Москве, но и в Петербурге, Одессе и других городах. В 1910-1916 вместе с другими художниками создаёт и активно участвует в объединении "Бубновый валет".

В 1917 художник стал членом объединения "Мир искусства".

Одно время Фалька привлекали яркие, контрастные сочетания красок, он обобщал и подчеркивал тёмным контуры. Добиваясь эмоциональной выразительности, Фальк некоторое время был очень увлечен кубизмом. Это особенно ярко выявилось в его натюрмортах, пейзажах 1913-1914. Даже экспериментируя, Фальк умел сохранять и передавать в своих произведениях внутреннее чувство гармонии.
После Октябрьской революции Фальк активно работал в Московской
коллегии по делам искусства и художественной промышленности Отдела изобразительных искусств Наркомпроса. А в 1918-1928 был профессором живописи сначала 1-х Государственных свободных художественных мастерских, потом Вхутемаса, Вхутеина. Во Вхутеине в 1926-1928 был деканом живописного факультета.

В это время Роберт Фальк увлекается поздним импрессионизмом и примитивизмом, переосмысливает творческие искания Сезанна. Точно разрабатывая цвето-пластическую форму, он создал такие живописные шедевры, как "Красная мебель" (1920), парижские пейзажи (1930-е годы), "Картошка" (1955), "Автопортрет в красной феске" (1957).

Роберт Фальк участвовал в выставках Общества московских художников, оформлял многие спектакли: в 1922-1925 - спектакль "Ночь на Старом рынке" И. Переца в Госете, в 1930-м - "Уриель Акоста" К. Гуцкова в театре "Габима" в Париже, в 1940-1941 - "Заколдованный портной" Шолом-Алейхема в Белорусском государственном еврейском театре. В послевоенные годы Фальк оформил спектакли "Леса шумят" A. Брата и Г. Линькова в Госете (постановщик С. Михоэлс, 1947), "Лев на площади" И. Эренбурга в Государственном московском Камерном театре (постановщик А. Таиров, 1948), "Только правда" Ж.П. Сартра в Театре сатиры (постановщик B. Плучек, 1955-1956).
В 1929-1938 Фальк работал в Париже; во время Великой Отечественной войны находился в эвакуации - сначала в Башкирии, затем в Средней Азии.

Больше всего Фальк любил писать натюрморты, пейзажи и портреты и практически никогда не делал сюжетных композиций. В каждой своей картине он предлагает зрителю задуматься, сосредоточиться, понять тонкий внутренний мир героя. В произведениях Фалька всегда очень точно сконструирована пластическая форма, а из колористических соотношений он предпочитал мягкие, тонкие. Его Париж не ярок. Он грустен, сосредоточен, порой даже печален и одинок. Натюрморты Фалька поражают очень ясным композиционным построением и особой одухотворенностью.
После 1953-го Фальк стал для многих молодых советских художников-авангардистов своеобразным символом ушедшей великой эпохи живописи, мостом между великим искусством начала XX века и послесталинской оттепелью.

По материалам сайтов:

https://www.art-spb.ru/article/165

https://www.liveinternet.ru/users/4468278/post276326756/

https://tvkultura.ru/brand/show/brand_id/29233/https://w.histrf.ru/articles/article/show/falk_robiert_rafailovich

https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%B0%D0%BB%D1%8C%D0%BA,_%D0%A0%D0%BE%D0%B1%D0%B5%D1%80%D1%82_%D0%A0%D0%B0%D1%84%D0%B0%D0%B8%D0%BB%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87

(no subject)

 Об одном адвокате: «В искусстве укладывать максимум слов в самую короткую мысль ему не было равных»

Авраам Линкольн


Дата. Евгений Лансере

 Евгений Евгеньевич Лансере родился 4 сентября 1875. Русский советский художник.

1896-1900 провёл в Париже, где работал в частных Академиях Жюльена и Коларосси.

 До революции жил в Петербурге. Был членом объединения «Мир искусства». Получил известность прежде всего своими книжно-иллюстративными работами (циклы «Царская охота на Руси», 1902; «Царское Село в царствование императрицы Елизаветы Петровны», 1910), которым присуща изысканная, мажорная по настроению историческая стилизация; те же черты свойственны и его сценографии (спектакли петербургского Старинного театра). Лучший его книжный цикл - иллюстрации к Хаджи-Мурату Льва Толстого (1912–1915).
В 1905-1908 Лансере создавал сатирически-революционную графику для журналов «Жупел», «Зритель» и «Адская почта» (последнюю Лансере сам издавал).

 В 1912 получил звание академика живописи, а в 1915 - действительного члена Академии художеств.
 Революцию 1917 не принял и в 1918-1919 годах сотрудничал как художник в ОСВАГе (Осведомительно-агитационное бюро, информбюро армии Деникина).

 В 1934 перехал в Москву, с этого времени - профессор в Академии архитектуры.

 Наиболее крупные работы связаны с Москвой: роспись залов Казанского вокзала (с 1916 по 1946), гостиницы «Москва» (1937), участие в разработке эскизов росписи Дворца Советов (1939), эскизы плафонов Большого театра (1937-1939), майоликовые панно для станции метро «Комсомольская» (1933-1934).
В творческом наследии Лансере - сотни зарисовок, около 50 альбомов рисунков и этюдов. Он создавал пейзажи, прежде всего городские, портреты, исторические полотна.

 Значительны также театральные работы художника. Он выполнял декорации и эскизы костюмов и грима к оперным, балетным и драматическим постановкам многих театров страны.

По материалам сайтов:

https://www.kino-teatr.ru/kino/painter/sov/42779/bio/

http://citaty.su/lansere-kratkaya-biografiya

https://sputnik-georgia.ru/columnists/20170111/234499524/Evgenij-Lansere-v-Tiflise-zhivesh-s-nebom-gorami-daljami.html

http://art-spb.info/community/jazzmen/?action=show&id=53

https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9B%D0%B0%D0%BD%D1%81%D0%B5%D1%80%D0%B5,_%D0%95%D0%B2%D0%B3%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D0%B9_%D0%95%D0%B2%D0%B3%D0%B5%D0%BD%D1%8C%D0%B5%D0%B2%D0%B8%D1%87

Дата. Виктор Голявкин

 Виктор Владимирович Голявкин родился 31 августа 1929. Русский советский писатель, художник.

Наперекор родителям, музыкальным педагогам, мечтавшим видеть сына музыкантом, Голявкин выбрал живопись. Среди друзей-подростков, начинавших вместе с ним, - впоследствии известные художники Т.Салахов и Т.Нариманбеков. Поступил в художественное училище в Самарканде, закончил с отличием в 1953. Переехал в Ленинград, закончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (Академия художеств) в 1960 с дипломом театрального художника.

 В Ленинграде стал одним из лидеров формировавшегося художественного авангарда. Тогда же были написаны и первые рассказы для взрослых: форма рассказов была столь непривычна, что они не могли тогда увидеть свет (последние из неизданных произведений тех лет были опубликованы лишь в 1999–2000).

 Отдушиной для Голявкина стала детская литература. Свойственные его прозе этого периода черты как нельзя лучше подходили для детского повествования. Появившийся в майском номере журнала «Костёр» за 1958 рассказ «Как решался сложный вопрос» знаменовал рождение необычного прозаика: именно как детского писателя уже в 1961 Голявкина приняли в Союз писателей СССР. Особняком стоит книга путевых заметок «Города и дети» (1967). Взрослые рассказы впервые появились в самиздате в 1960, в журнале Александра Гинзбурга «Синтаксис».

 Для голявкинских рассказов характерна причудливая игра со словом, когда разнообразные манипуляции, вплоть до смещения ударений (как в рассказе «Каково»), придают словам необычную пластику, они как бы текут, и такое «перетекание» зачастую и составляет весь сюжет. Умелый рисовальщик, Голявкин сам оформил большинство своих детских книжек и был принят в члены Союза художников СССР в 1973 по секции графики. Сам он считал себя в первую очередь живописцем. Голявкин – русский «сезанист»: его излюбленные тёплые и звучные тона (среди красок преобладают кармин и охра) напоминают не столько о французских первоисточниках, сколько о южной школе живописи, например о творчестве раннего М.Сарьяна. Картины Голявкина выставлялись на Международной выставке в Москве (1957), на I Всероссийской выставке книжной графики в Союзе художников в Ленинграде (1975). В 1990 прошла персональная выставка в ленинградском Доме писателя. Две живописные работы раннего периода приобретены Государственным Русским музеем.

По материалам сайтов:

http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/literatura/GOLYAVKIN_VIKTOR_VLADIMIROVICH.html

http://www.ruthenia.ru/moskva/encycl/g/golyavkin.htm

https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%93%D0%BE%D0%BB%D1%8F%D0%B2%D0%BA%D0%B8%D0%BD,_%D0%92%D0%B8%D0%BA%D1%82%D0%BE%D1%80_%D0%92%D0%BB%D0%B0%D0%B4%D0%B8%D0%BC%D0%B8%D1%80%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87

Дата. Исаак Левитан

 Исаак Ильич Левитан родился 30 августа 1860. Русский художник.

В 1870 семья будущего художника перебралась в столицу. Когда Исааку исполнилось 13 лет, он стал студентом столичного Училища живописи, ваяния и зодчества. Обучался у Перова, Поленова, Саврасова. Благодаря учёбе у Саврасова, Левитан создает несколько замечательных картин, 2 из них выставляются на выставке, за что молодой художник награждается малой серебряной медалью и денежной премией в 220 рублей.

Следующую картину Левитан продал в 1879: сам Третьяков приобрел за 100 рублей работу «Осенний день. Сокольники». Позднее Павел Михайлович покупал и другие творения живописца, в частности, «Золотая осень» и «Март». С 1880 по 1885 было продано еще несколько известных полотен, среди них «Осень», «Первый снег» и «Сосны».

 У Левитана было больное сердце. Чтобы отдохнуть и подлечиться, он отправился в Крым. Природа полуострова так вдохновила живописца, что он написал целую серию картин. После возвращения в Москву он организовал выставку, посвященную этому месту. Её посетил известный меценат Савва Морозов, он заинтересовался творчеством живописца.

 После путешествия в Крым Левитан решил осуществить ещё одну свою мечту. Он отправился в поездку по Волге, в течение трех лет писал пейзажи этой восхитительной местности. Особенно полюбился Левитану Плес. Именно там он создал известную картину «Над вечным покоем». В свободное время Левитан преподавал студентам Училища живописи. Также он успел попробовать себя в качестве декоратора, проиллюстрировав оперу Морозова «Русалочка».

 В 1898 Исаак Левитан стал Академиком пейзажного творчества в родном училище; через год ему пришлось отправиться в Ялту на лечение. Здоровье художника ухудшилось после тифа, перенесенного дважды. Последняя работа пейзажиста «Озеро. Русь» так и не была закончена.


По материалам сайтов:

https://obrazovaka.ru/alpha/l/levitan-isaak-levitan-isaac

http://www.art-portrets.ru/hudozhnik_levitan.html

http://stories-of-success.ru/isaaka-levitana

https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9B%D0%B5%D0%B2%D0%B8%D1%82%D0%B0%D0%BD,_%D0%98%D1%81%D0%B0%D0%B0%D0%BA_%D0%98%D0%BB%D1%8C%D0%B8%D1%87

http://vserov.ru/kartina/2.php



Дата. Мстислав Добужинский

 Мстислав Валерианович Добужинский родился 14 августа 1875. Русский художник, участник «Мира искусства».

 В 1895-1899 учился на юридическом факультете Петербургского университета. В студенческие годы увлёкся живописью, занимался в частных студиях. По окончании университета учился в Мюнхене, а после возвращения в Петербург стал одним из активных членов объединения «Мир искусства».

 Дебютировал как график с рисунками в книгах и журналах; оформляет книги своих современников: Ф. Сологуба, Л. Зиновьевой-Аннибал, А. Ремизова, Вяч. Иванова, Г. Чулкова, С. Ауслендера.

 Сотрудничал со многими журналами и издательствами, и именно графические работы принесли Добужинскому славу. В качестве художника-станковиста вместе с Л. С. Бакстом преподавал в различных учебных заведениях.

 Как и его коллеги, Добужинский много и плодотворно сотрудничал с театрами. В 1907-1908 он работал в так называемом Старинном театре, а с 1909 начал оформлять спектакли МХАТа (дебютировал в постановке комедии И. С. Тургенева «Месяц в деревне»).

 В 1924 Добужинский принял литовское гражданство и покинул Россию. В эмиграции он иллюстрирует роман-сказку Ю. К. Олеши «Три толстяка» (1928) и роман в стихах А. С. Пушкина «Евгений Онегин» (1936). В числе театральных работ художника - спектакли Рижского театра (1925), парижского театра «Летучая мышь» (1926-1929).

 С 1929 Добужинский - ведущий художник Государственного литовского театра. В 1939 он переехал в США для работы над спектаклем по роману Ф. М. Достоевского «Бесы» с М. А. Чеховым в главной роли.

 В 1943 пишет декорации к балету на сюжет Седьмой (Ленинградской) симфонии Шостаковича и либретто к нему. Создает акварельные листы на тот же сюжет. Герой этих листов - город на Неве, навсегда вошедший в творчество художника.















По материалам сайтов:

http://citaty.su/kratkaya-biografiya-mstislava-dobuzhinskogo

http://www.ote4estvo.ru/russkie-xudozhniki/1638-dobuzhinskiy-mstislav-valeryanovich.html

http://worldofaphorism.ru/kratkie-biografii/mstislav-dobuzhinskij

https://www.wikiart.org/en/mstislav-dobuzhinsky/

http://cvetamira.ru/dobuzhinskiy-mstislav-valerianovich-1875-1957-0

http://chugunka10.net/forum/showthread.php?t=7620&page=600&styleid=1

Дата. Фёдор Шехтель

 Фёдор Осипович Шехтель (Франц-Альберт Шехтель) родился 7 августа 1859. Русский архитектор, живописец, сценограф.

Из-за неудачных вложений в золотые сибирские прииски, имущество отца будущего архитектора пошло прахом (в семье было пятеро детей). Имущество пошло с молотка, детей отдали на усыновление в другие семьи. Оплачивать обучение в гимназии было некому, и тринадцатилетнего Фёдора пристроили в училище при духовной семинарии. С этого времени страх перед бедностью преследовал его всю жизнь.

 В 1875 Шехтель приехал в Москву. В доме Третьякова, где служила экономкой его мать, Шехтель познакомился с архитектором Александром Каминским, который стал для него первым учителем и старшим другом. Через год Шехтель поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Однако средств закончить обучение не хватило - через два года он был отчислен. Выход из бедности был только один - браться за любую работу и делать ее быстро и добросовестно. Шехтель не отходит от чертёжной доски, сотрудничая с архитектурными мастерскими, рисует для журналов, оформляет книжные и нотные обложки, делает декорации к торжествам и массовым гуляниям, придумывает театральные костюмы.

 Для коронации Александра III им была выполнена грандиозная композиция «Весна-красна». Так пришла слава. В 1894 Шехтель получает право подписывать работы собственным именем. Фёдор Осипович спроектировано здание Московского художественного театра в Камергерском переулке. В 1902 вместе со Станиславским, Немировичем-Данченко и Саввой Морозовым он создал здание, ставшее эталоном новой театральной культуры. Оно соединило в себе красоту, простоту и удобство. Причем работал Шехтель безвозмездно. Он придумал и символ театра – чайку, парящую над волнами. В том же году Шехтель получает звание академика архитектуры. Он становится создателем нового стиля, получившего название русский модерн. Этот стиль стал неотъемлемой частью Серебряного века отечественной культуры.

В 1893 Шехтель получает свой первый крупный заказ от мецената Саввы Тимофеевича Морозова на строительство особняка в стиле английской готики на Спиридоновке 17. Строительство было начато в 1894 и продолжалось четыре года. Особняк с башнеобразными корпусами, стрельчатыми арками окон и дверей, с зубцами на стенах, напоминал замок. Для совместной работы над интерьером Шехтель привлек еще неизвестного в то время, художника Михаила Врубеля, который украсил особняк скульптурами, панно и витражами. Вместе им удалось создать архитектурный шедевр. Москва получила одно из красивейших зданий, а Шехтель стал популярным московским архитектором. В этом же особняке Морозов какое-то время укрывал революционера Баумана. В настоящее время здание принадлежит МИДу.

 За участие во Всемирной выставке, проходившей 14 апреля 1900 в Париже, Шехтель был награжден серебряной медалью. На Международной выставке в Глазго в 1901, Шехтелем были спроектированы в стиле модерн четыре павильона русского отдела. Особенно красив был главный павильон, украшенный изысканной деревянной резьбой и башенками. А над входом в павильон были установлены гербы Москвы, Архангельска и Ярославля. В 1901 году Шехтель был удостоен звания академика Императорской Академии художеств Санкт-Петербурга.

 Шехтелю принадлежат многие московские особняки (в частности, особняк Рябушинского), по его проекту построено здание Ярославского вокзала. Принципом русского модерна было «не человек для дома, а дом для человека». Тщательность в отделке зданий объяснялась требованиями уюта и комфорта. Шехтель славился безукоризненностью строительных работ. Красота и качество были для него тождественными понятиями.

По материалам сайтов:

http://www.ote4estvo.ru/lichnosti-xx/1739-shehtel-fedor-osipovich.html

http://moscow.org/moscow_encyclopedia/204_arhitect_shehtel.htm

https://fi.pinterest.com/pin/116812184059095144/

http://bg.ru/blogs/posts/14047/